Un biografia appassionata tra malinconia e risate.

Dopo essere giunto al cinema con il film Posti in piedi in paradiso, Carlo Verdone approda anche in tutte le librerie con La casa sopra i portici. Si tratta, in particolare, di un romanzo biografico in cui l’apprezzato attore e regista italiano decide di condividere con i suoi fan i ricordi del suo passato, quelli che raccontano i giorni in cui ha vissuto nella casa paterna, La casa sopra i portici, appunto.Chi ha già avuto modo di leggere La casa sopra i portici di Carlo Verdone ne è rimasto entusiasta: lo stile narrativo fluido e suadente dell’autore, riesce a coinvolgere il lettore sin dalle prime pagine.

Il libro, inoltre, si legge d’un fiato e regala ai lettori emozioni intense.Con l’ironia tipica che lo caratterizza, Carlo Verdone racconta ai suoi lettori, per esempio, gli eventi più importanti che nel corso della sua infanzia e della sua adolescenza sono stati organizzati tra le mura della sua casa paterna: feste, incontri con registi famosi come Federico Fellini e Alberto Sordi, incursioni di personaggi unici, come Gregory Markopoulos e tanti altri.Ne La casa sopra i portici, comunque, Carlo Verdone si sofferma anche sull’aspetto più intimo e umano, quello riguardante i sentimenti e il rapporto con i suoi familiari: i genitori e i fratelli, per esempio.

C’è ampio spazio per le emozioni, quindi, tra le pagine del romanzo biografico di Carlo Verdone; anche perché l’attore sceglie di non tenere nascosto nulla e di parlare anche dei momenti dolorosi, dei primi amori e di tutte quelle esperienze ed emozioni che lo hanno reso l’uomo che è.La casa sopra i portici, in particolare, è il romanzo ideale per tutti gli appassionati di Carlo Verdone; un libro in cui l’autore sceglie di mettere a nudo il suo spirito aprendo ai lettori la porta dei ricordi della sua casa sopra i portici.Per dovere di cronaca bisogna ricordare che questo non è l’esordio letterario di Carlo Verdone, già approdato sugli scaffali nel 1999 con Fatti Coatti (o quasi), anche quella una sorta di biografia scritta a quattro mani con Marco Giusti.

La casa sopra i portici torna a scandagliare quindi nel passato di uno dei personaggi più amati e riconosciuti del cinema (ma anche della televisione) nostrana, senza pretese di stile ma con una scrittura lineare e coinvolgente che i suoi fan non tarderanno a riconoscere.Si parte come prevedibile dalla giovinezza, dove i grandi eventi sono scanditi e accompagnati dalla casa paterna, in qualche modo grande protagonista dell’intera storia. Dall’incontro con Vittorio De Sica al rapporto con i genitori e i fratelli, dalle prime esperienze sentimentali ai drammi famigliari. C’è spazio per l’ironia ma anche per i toni più malinconici, come in tanti suoi film di successo.

E a proposito di film, non poteva certo mancare il cinema in questo libro. Dai primi passi al Centro Sperimentale sotto la guida di Roberto Rossellini al racconto dei suoi film, ricco di retroscena e aneddoti inediti.Grande spazio viene dedicato anche alle amicizie che hanno segnato la vita di Carlo Verdone, da Sergio Leone a Federico Fellini passando per Massimo Troisi. Non manca neanche la musica, secondo grande amore dell’attore: i primi concerti di Beatles e The Who, gli incontri con David Bowie, David Gilmour e Led Zeppelin. Un ritratto intimo e divertente che farà la gioia di quanti adorano il regista romano

                                                                                                          VOTO 6.5

Una storia sospesa tra sogno e dolore.

Sullo sfondo il mare dei Caraibi, dove il cristianesimo si scontra con le lingue e i riti religiosi yoruba degli schiavi, ai tempi dell'Inquisizione del Santo Uffizio. L'amore e l'odio, nelle loro variegate declinazioni, si manifestano e si confondono con la follia, il dolore, la speranza, la rabbia (come stato emotivo, ma anche come malattia trasmessa dai cani infetti), dilaniando la mente e il corpo dei protagonisti. I sintomi vengono interpretati dal vescovo e dalla badessa delle Sepolte Vive come sintomi satanici e si preparano le indagini per gli esorcismi. I confini sbiadiscono, la ragione può anche essere una gabbia per la mente (lo dice il medico ateo Abrenuncio!). L'amore nella sua forma più pura è un vero e proprio demone, che non può essere scacciato e solo la morte renderà conforto alle povere anime.

Sierva Maria de Todos los Angeles, una dodicenne indemoniata (o presunta tale) e Cayetano Delaura, l’esorcista che dovrebbe liberarla dalla possessione, vivono una singolare, grottesca, drammatica storia d’amore sullo sfondo di una città di mare, in un’epoca e un luogo indefiniti dell’America centrale dei secoli scorsi (XVIII o XIX secolo?).
Basterebbero queste poche indicazioni della trama per riconoscervi immediatamente alcuni elementi fondamentali della narrativa dell’autore, incentrata, fin dall’esordio con Cent’anni di solitudine, sulla rappresentazione di un mondo fantastico e onirico, estremo, irrazionale e contraddittorio, fatalista e rassegnato, oscurantista ma anche in qualche modo nostalgicamente rievocato e rimpianto, che diviene sintesi di una cultura e dell’anima della società centro e sud americana, con il suo singolare misto di tradizioni, di razze, di religioni e di lingue che la caratterizzano. Pur non avendo un posto oggettivamente indiividuabile né nella geografia né nella storia del subcontinente, le città, i personaggi e le vicende dei romanzi di Marquez ne colgono le costanti e lo spirito più di mille trattati di sociologia, dando vita a un microcosmo parallelo e metastorico per definire il quale la critica ha coniato la fortunata etichetta di realismo magico.
L’apporto che Dell’amore e di altri demoni dà al dispiegarsi di questo universo narrativo è virato al grottesco e al macabro con maggior intensità rispetto alla restante produzione dell’autore. Non una storia corale ed epocale come in Cent’anni di solitudine, non una “normale” vicenda d’amore eccezionale come in L’amore ai tempi del colera, non un teorema fatalista sviluppato fino alle sue estreme conseguenze come in Cronaca di una morte annunciata: ciò che prevale in questo romanzo è la ricerca sistematica del paradosso stridente, che si manifesta già nel titolo (l’associazione dell’amore alla dannazione, un vero e proprio topos della letteratura di tutti i tempi, qui declinato nella sua variante magico-realistica) e si incarna innanzitutto nella coppia dei protagonisti, che intrecciano un amore impossibile sopra l’abisso delle loro opposizioni (bambina-adulto, indemoniata-esorcista, paganità-cristinità, carnalità-spiritualità), per poi ritrovarsi moltiplicato in pressoché tutti gli elementi (primari o marginali che siano) della trama: dalla figura del marchese padre di Sierva Maria a quella di Bernarda, moglie di lui e madre della bambina, dalla personalità del vescovo, guida spirituale e protettore prima, severo persecutore poi di Delaura, alle torve e degeneri monache del convento di clausura dove l’indemoniata viene rinchiusa, per arrivare fino alle comparse dei servi, degli amanti, dei medici che ruotano attorno ai personaggi principali e fanno loro da contorno: tutti sono caratterizzati dal coincidere nella loro personalità e nella loro condotta di connotazioni opposte e antitetiche, quasi l'ostentazione della contraddittorietà fosse il programma che l'autore si è proposto. Ne esce un quadro fosco e polarizzato sugli estremi, che sembra configurarsi come maniera (nel senso che il termine ha come categoria estetica) rispetto all'ispirazione e alla restante opera dell'autore, cosicché la rigogliosità, l'abbondanza e la bizzarra originalità delle invenzioni narrative finiscono per essere apprezzabili più nei dettagli a margine della storia che nelle figure dei protagonisti.
La storia il soggetto, le parole i suoi colori, Marquez non scrive, Marquez dipinge nelle menti dei lettori i sogni che la sua mente partorisce.
Maestro di prosa, in questo racconto Marquez dimostra una proprietà di linguaggio (grazie anche all'ottima traduzione)e una vena poetica particolrmente spiccate, non lascia nulla al caso e la sua capacità di essere dettagliato con pochi termini lo porta veramente nel olimpo.
Il racconto di per se è ai confini della realta,burattinaio della dimensione onirica, si muove tra sogno e realtà lasciando il lettore avvolto in una cappa di mistero e curiosità.
Resta comunque un testo intenso, e affascinante e ricco di piacevolezze linguistiche che si mischiano hai contenuti del testo come lo zucchero nell' acqua .
Nulla più si può dire su un testo che sia per lunghezza che per linguagigo e trama trovo ineguagliabile
La storia lascia il segno, tra clausura, amori platonici,feroci demoni, vizzi, e inquisizione porta alla fine del romanzo pronto a ricominciarlo in qualsiasi momento.

                                                                    VOTO  8

Un intimo noir in puro stile Coelho.

Questa volta, lo scrittore di Rio de Janeiro, ha deciso di pubblicare qualcosa di diverso rispetto al suo genere, un libro che si allontana dal solito stile orientato ai temi spirituali. Anche se non lascerà perplessi i suoi lettori che lo seguono da tanti anni con passione, perché resta comunque fedele al suo modo di raccontare le storie.

“Il vincitore è solo” è un noir, un racconto intrigante. Il protagonista Igor è un uomo affascinante e ricco, ma queste qualità non bastano alla donna della sua vita. La sua ex moglie, infatti lo ha lasciato per stare con un famoso stilista. Igor, però, non ci sta a perderla così senza neanche cercare di riconquistarla, ma il modo in cui lui cerca di riportarla a sé non è quello che comunemente utilizzano gli amanti.

Lui non prova a farla innamorare nuovamente dell’uomo che è, non usa atteggiamenti romantici e pacifici.
Il suo intento è quello di radere al suolo tutto ciò che si intromette tra lui e la sua donna. Ed è questo il gioco pericoloso, ed è forse questo il lato affascinante dell’ultimo lavoro di Paolo Coelho, in cui si intrecciano vicende di uomini e donne di successo che sfoggiano le loro ricchezze e utilizzano il potere che hanno come fossero le loro uniche qualità.

Tutta la vicenda si svolge in un arco temporale di ventiquattro ore a Cannes, durante il Festival e nelle indagini sono coinvolti numerosi personaggi che fanno parte dell’alta moda francese.

Il tentativo dello scrittore ne “Il vincitore è solo” pare voglia essere quello di combattere contro i principi di una società borghese che come unici due valori sembra avere il denaro e il successo. Tutto il resto passa in secondo piano.
Una faccia della realtà che viviamo viene mostrato in questo racconto, che vuole, tra le altre cose, rimandare l’immagine di quello che accade sotto i nostri occhi, ma che non sempre viene colto da un osservatore poco attento o distratto.

Dopo il grande successo nelle vendite con “L’alchimista”, “Monte Cinque”, “Il cammino di Santiago”, solo per citarne alcuni, e i riconoscimenti che gli sono stati resi in tutto il mondo, Paulo Coelho cerca di non deludere le aspettative dei suoi “seguaci”, con un lavoro originale rispetto ai suoi precedenti romanzi. Un tentativo di accaparrarsi un’altra fetta di pubblico, quello scettico nei confronti di uno scrittore che fa partire le storie dal punto di vista intimista, facendo compiere ai suoi personaggi sempre viaggi spirituali e percorsi interiori.

Sono tornate le ragazze all'inglese.

Ma Elina fatica a riprendersi da una recente maternità, e a volte quel passeggino che spinge le sembra troppo pesante, come se frenasse i suoi sogni e la sua creatività. Ted, il padre del bambino, le sta accanto in questi momenti difficili, e anche lui fa i conti con la paternità. Guardando il figlio, la mente di Ted corre inevitabilmente alla propria infanzia, ma ci sono immagini, ricordi, pensieri che affiorano nel suo subconscio e non coincidono con quello che lui sa del proprio passato. Le due storie, in apparenza così lontane, finiranno per rivelare un legame che colpisce il lettore con tutta la forza di uno straordinario colpo di scena.

"Ed ecco Lexie, su un marciapiedi a Marble Arch. Si sta aggiustando il dietro della scarpa e lisciando i capelli. È una serata calda, velata, poco dopo le sei. Uomini in giacca e cravatta e donne con il cappellino e i tacchi alti che tirano bambini per mano le scorrono tutt’intorno come se loro fossero un fiume e lei una roccia.
Ha iniziato il nuovo lavoro da due giorni. È assistente ascensorista in un immenso grande magazzino. L’ufficio di collocamento l’ha mandata lì dopo il risultato desolante della prova di dattilografia, e da allora non fa che ripetere: «Che piano, signora?», «Sale, signore?», «Terzo piano, casalinghi, merceria e modisteria, grazie». Non aveva mai immaginato che si potesse fare una cosa tanto stupida. O di riuscire a tenere a mente la struttura di un negozio di sette piani, O che una persona potesse comprare tante cose: cappelli, cinture, scarpe, calze, cipria, retine per capelli, completi da uomo. Li ha visti, gli elenchi della spesa che le persone reggono con mani guantate, ha sbirciato da dietro. Tanto quello è solo l’inizio, lo sa. E lì, è a Londra: la sua vita in technicolor comincerà da un momento all’altro, ci scommette, ne è sicura: deve cominciare per forza."

“Una narrazione serrata e di alta qualità letteraria. Maggie O’Farrell scrive con una profonda sensibilità, con una grande attenzione ai particolari, a quei piccoli momenti della vita quotidiana che possono diventare importanti.” The Observer

Disperzione e provincia,ma forse la salvezza è dietro l'angolo.

Acciaio è uno di quei romanzi che ti riconciliano con la letteratura italiana contemporanea. Mentre scorri le pagine assorto nella lettura commenti a voce alta: “Non è vero che il romanzo è morto”, “Si scrivono ancora le storie”, “Non è finito il tempo di raccontare i sentimenti”. Era dalla lettura di romanzi come Lo schiaffo e Alla larga dai comunisti, entrambi di Luigi Carletti – editi da Baldini e Castoldi nel 2008 e nel 2009 – che non m’imbattevo in una così evidente capacità di raccontare storie, in questo caso ancor più sorprendente perché l’autrice ha soltanto venticinque anni.
Acciaio di Silvia Avallone è un romanzo di formazione che attualizza la lezione di Salinger e del suo fondamentale Giovane Holden. Racconta la storia della profonda amicizia tra Francesca e Anna, due ragazzine di tredici anni che diventano donne in una provincia depressa popolata da operai siderurgici, adulti disillusi bruciati da troppe sconfitte e ragazzi che sognano la fuga. Piombino è il palcoscenico degradato su cui recitano i personaggi, sempre curati e credibili, mai ridotti a stereotipi e a macchiette fumettistiche. Una via Stalingrado di pura fantasia – localizzabile nel quartiere periferico di mare noto come Salivoli e identificabile nel rione operaio dei Lombriconi – presenta casermoni in stile sovietico dove vivono operai della Lucchini, famiglie marginali, piccoli spacciatori, ladruncoli, perdigiorno, studenti e ragazzi che in estate popolano la piccola spiaggia davanti all’Isola d’Elba. Silvia Avallone sceglie di dare un nome di fantasia al teatro principale delle vicende perché rappresenta in un luogo geografico definito la vita problematica di ogni piccola città bastardo posto di gucciniana memoria. Non é Piombino l’obiettivo, ma la provincia italiana che cambia e la vita che pulsa lontana, distante milioni di anni luce dalle speranze dei giovani.
Ecco via Stalingrado a giugno, bruciata dal sole, descritta dalla penna ispirata di Silvia Avallone: Da una parte c’era il mare, invaso di adolescenti in quell’ora bestiale. Dall’altra il muso dei casermoni popolari. E tutte le serrande abbassate lungo la strada deserta. Il mare e i muri di quei casermoni sotto il sole rovente del mese di giugno, sembravano la vita e la morte che si urlavano contro. Non c’era niente da fare: via Stalingrado, per chi non ci viveva, vista da fuori, era desolante. Di più: era la miseria.
L’autrice riesce a raccontare la disillusione di una generazione che non crede più a niente e non si entusiasma per la politica, soprattutto non trova una via di fuga lottando per un ideale ma soltanto costruendosi un mondo irreale. Silvia Avallone racconta la droga presa nei cortili dei palazzi per noia, abitudine, per trovare il coraggio di affrontare un lavoro che distrugge la vita, per sentirsi uomini e affrontare una serata in discoteca o in un night a caccia di emozioni.
Il tema principale è l’amicizia tra due ragazzine, una bionda e l’altra mora, entrambe di una bellezza solare e sfacciata che vedono crescere i corpi femminili sotto lo sguardo interessato degli uomini. Un’amicizia che sfocia nel rapporto lesbico, appena sfumato dall’autrice che non calca la mano sui momenti morbosi e racconta con grazia i sentimenti, ma subito dopo muore per futili incomprensioni e gelosie, forse perché i loro giochi di ragazzine si sono spinti oltre il consentito. Francesca tenta di sostituire l’amica con Lisa, ma non è la stessa cosa, comincia un percorso di autodistruzione che la porterà a perdere la propria giovinezza sul palcoscenico del Gilda, un night club dove ballerà nuda e si concederà alle voglie represse di un pubblico di operai che sfoga le frustrazioni nel sesso.
Silvia Avallone ha una capacità descrittiva tipica solo dei grandi scrittori, perché riesce a catturare i sentimenti nelle frasi e a comunicare sensazioni descrivendo luoghi con un tono a metà strada tra l’elegiaco e il poetico. Il complesso di quattro casermoni da cui piovono pezzi di balcone e di amianto in un cortile dove i bambini giocano accanto a ragazzi che spacciano e vecchie che puzzano è il luogo dove si dipanano le esistenze dei protagonisti. Uomini e donne che si fanno un’idea del mondo restandone ai margini, credendo normale non andare in vacanza, non andare al cinema, non sfogliare il giornale e non leggere libri. Troviamo persino una citazione de La pioggia nel pineto di dannunziana memoria che costruisce una cadenza di eventi intorno a un tragico incidente avvenuto sotto la pioggia. La descrizione degli operai siderurgici e dei luoghi dove vivono è certosina, paziente, evoca sentimenti e ricordi.
Il Cotone, il quartiere dell’acciaio. Nudo come una tomba. Non una panetteria, un alimentari, un’edicola. Forse la serranda abbassata di un’officina. Lo spolverino prodotto dal carbone te lo sentivi entrare nei polmoni, appiccicarsi addosso, annerire la pelle.
Silvia Avallone racconta l’adolescenza, un’età potenziale dove tutto può ancora accadere e ogni possibile strada da prendere è ancora aperta, ma non scrive un facile romanzo giovanilistico alla Moccia che strizza l’occhio agli adolescenti. Acciaio è un romanzo problematico che parla di padri violenti che picchiano figlie disinibite ma sono loro i primi cattivi esempi, racconta di genitori assenti che fuggono da un destino operaio per trafficare in opere d’arte rubate e denaro falso, descrive il dramma delle morti sul lavoro in un’industria siderurgica, narra la perdita dei valori di una società che non crede più a niente, a parte sesso e denaro. I ragazzini sono la speranza, come diceva Pasolini, ma pure loro si perdono, purtroppo, perché diventano uomini e donne. Un romanzo pervaso da un pessimismo di fondo e da un andamento malinconico, come una poesia di Giovanni Pascoli o una ballata di Fancesco Guccini, ma che si legge con passione dalla prima all’ultima pagina, parteggiando per i protagonisti e fremendo per le loro vicissitudini. Acciaio appassionerà gli adolescenti che ci rivedranno la loro vita e tutte le persone che cercano in una storia la cruda realtà della vita quotidiana. Non piacerà a chi cerca l’elegia provinciale, il mito del cantuccio d’ombra romita, rifugio tranquillo dove stemperare i problemi quotidiani. La provincia toscana non è più così. Una raccomandazione: non fateci un film perché distruggerete l’incanto e la poesia della pagina scritta, non riproducibile dallo scarso mestiere di certi registi italiani contemporanei che seguono le orme di Moccia e Muccino. A meno che non si scoprano nuovi emuli di Pasolini e Germi, capaci di farsi cantori di un’epopea ambientata ai tempi in cui la classe operaia non può andare in Paradiso.
Silvia Avallone ha venticinque anni ed è al suo primo romanzo.Al contrario dei suoi protagonisti – ha trovato la sua strada.

Scritto da:Nicola Giordano

                                                                                                      VOTO  7.5

Capolavoro "rock-letterario".

Provocatorio, torrenziale e satirico, sconnesso e prepotente, Hanno tutti ragione (Feltrinelli, 320 pp., euro 18) è l’esordio letterario del regista Paolo Sorrentino, partenopeo classe 1970, padre del divertissement anti-andreottiano e tarantiniano Il Divo e dell’elegiaco Le conseguenze dell’amore. Penalizzato dalla copertina più respingente di tutti i tempi, forse più adatta a rappresentare esteticamente l’eventuale opera prima di Garrone (arriverà: qualche anno fa Giordana, pochi mesi fa i diari di Zurlini, adesso Sorrentino…), il romanzo è stato omaggiato e benedetto dal vecchio santo patrono dei casi letterari italiani: già supremo artefice delle fortune di Avoledo (oneste e sensate) e Faletti (del tutto equivoche), Antonio D’Orrico ha così pontificato, nel febbraio scorso, sulle colonne del Corriere della Sera: “Paolo Sorrentino ha inventato Tony Pagoda, un eroe del nostro tempo, il più grande personaggio della letteratura italiana contemporanea”. Cominciamo subito col dire che tutto è fuorchè un eroe, il Tony Pagoda: semmai è un’icona infelice, drogata, viziosa e infausta, paradigmatica d’una miseria culturale depressiva e deprimente. E che se questo è “il più grande personaggio” della nostra letteratura italiana, allora c’è qualcosa che è sfuggito a papa D’Orrico: almeno Il gregario di Paolo Mascheri, almeno Actarus di Claudio Morici, almeno Il nemico di Emanuele Tonon, sempre restando sul livello dei narratori nati negli anni Settanta. D’Orrico ha scritto che questo romanzo è bello come Quer pasticciaccio brutto de via Merulana o La cognizione del dolore di Gadda e Viaggio al termine della notte di Céline. Sospettiamo che la lunga distanza temporale che separa il pontefice dei casi letterari dalle prime letture di quei romanzi abbia determinato un entusiasmo un po’ eccessivo. Il concetto, forse, poteva essere questo: Hanno tutti ragione è massimalista e scorretto, e in questo senso si può considerare derivativo rispetto al paradigma céliniano; linguisticamente, si concede qualche licenza (ma senza eccedere, e senza averne coscienza letteraria) che può considerarsi derivativa rispetto all’espressionismo italiano. Da qui a stabilire parallelismi tra l’ingegnere milanese e il regista partenopeo (LFC può riposare in pace) ce ne vuole. Ci vuole, soprattutto, una grande fiducia nella scarsa lucidità dei lettori italiani. Ci vuole, aggiungiamo, un pizzico di pressappochismo, più pubblicitario che critico letterario.
Hanno tutti ragione è un romanzo disorientante perchè si tratta dell’opera prima di un outsider. Come tutte le opere prime, ha poderosi difetti e affascinanti tratti distintivi. È narrativa sconnessa, slabbrata, povera di struttura, a metà strada tra un canovaccio evoluto e una smania di giudizio della realtà, spesso sbrodolona, masaniella e populista. È narrativa solo apparentemente popolana, per lessico e vicende raccontate; c’è qualche pretesa d’affermare una personalità autoriale che Sorrentino potrà guadagnare nel tempo, come scrittore. Come regista, mi sembra pacifico, le cose sono ben diverse. E meno male.

Incontriamo, allora, questo favoloso avatar plasmato da D’Orrico. Ecce Tony Pagoda da Vico Speranzella. Attaccato alla vita come una sanguisuga, ha avuto talento e discreta fortuna, come cantante da night. È un furbo, convinto che la furbizia sia un’arte. Molto napoletano, in questo senso, molto viscerale. È un cinico, che giura che la vita l’abbia inventata un sadico, “fatto di coca tagliata malissimo”. Ma è uno che non vuole appassire. Crede che l’arte di tirare avanti passi per il sentiero supremo della distrazione. E sa sopportare la nausea, perché nella nausea ci sta a meraviglia. Adesso ha 44 anni “carichi e feroci” e si sente “fradicio di sè stesso”. È un cocainomane (da vent’anni) con chiari complessi di inferiorità nei confronti di Frank Sinatra. E qualche nostalgia per l’Italia. Torna a Napoli, dagli States, ma la musica non cambia: complice un amore perduto (male, nel male), Beatrice, si tormenta e si sprona con “cocaina, vino, birra, superalcolici, cocktail, aperitivi, sigarette, grassi animali e vegetali”. Il rapporto con sua moglie è un po’ peggiorato (“Quindici anni fa si scopava da bufali. Ora è un oggetto d’arredamento”; “Un involtino di angoscia mi è diventata questa donna”). Divorzio. Brasile. A spegnersi, dalle parti di Manaus, a imparare qualcosa da un mammasantissima scampato a tutto quanto. Per diciotto anni. Poco prima del capodanno del 2000, l’Italia torna a chiamarlo. Arriva un suo ammiratore, ex craxiano, ora deputato della Repubblica. Si chiama Fabio, è pieno di soldi e di malinconia. Domanda una serata in Corsica e stop. Paga un miliardo più del dovuto. Promette un sacco di donne. Tony non sa niente di quel che è successo negli ultimi vent’anni, i suoi vecchi amici racconteranno qualcosa. Dai cellulari a Ikea, passando per la fine della vecchia repubblica, l’avvento dei computer e via dicendo. E poi finisce a Roma, ben salariato da Fabio. Passano due anni. L’Italia è “anarchia spregiudicata ai limiti del regime sudamericano”, e il vecchio Fabio confonde la sua vecchiaia con quella di questa nazione. Succede. La sua ultima ossessione è per la parola “figo”. Vedrete come.

Qualche ulteriore osservazione. Le prime battute del libro sembrano avere più di un debito di riconoscenza nei confronti dell’incipit di Wrong di Andrea Consonni, apparso nel 2003: mentre lo scrittore lombardo giocava sul concetto “non me ne frega un cazzo”, seguito da una valanga di cose e di persone per le quali non aveva interesse, il regista napoletano punta su un più educato – ma non meno torrenziale – “non sopporto”. In entrambi i casi, una potenziale fonte di ispirazione comune è la famosa scena dello specchio della Venticinquesima ora di Spike Lee (2000), film tratto dal (bel) romanzo omonimo di David Benioff. Ricordate? È il monologo del “fuck”. Siamo da quelle parti. Decisamente. E adesso scopriamo come scrive il regista Sorrentino. Perchè è stravagante e irregolare la lingua letteraria del narratore di questo romanzo. A partire dagli aggettivi. Come scrive a un tratto, raccontando della seduzione, vuole essi siano “spiazzanti e convincenti, iperbolici e precisi”. Ecco allora che Tony è uno “ieratico” e speranzoso di carattere; ha amici “limitrofi” alla sua esistenza, mentre i musicisti sono “defenestrati” dalle loro abitudini, e lui si “ubica” su un palco; e poi il silenzio si fa “fragile. Esistenziale”; memorabili le lacrime “stanziali”, almeno quanto la vita di coppia di due amanti “ierofanici” e “ossidionali”. Buona invece la coatta “entrata giaguara”, gli accademici come “risma che sa proferire”, “sifilitici dell’intelletto”. Questo Pagoda ha qualche frustrazione universitaria alle spalle: “Il docente universitario – scrive – è sempre vigliacco. I libri la sua trincea. La pubblicazione il suo moschetto. Ma dentro non c’è niente”. Chissà, prima di cantare nei night forse studiava al DAMS. Concludiamo con qualche curiosità. Errori cronologici non mancano; nel 1980, Carl Lewis è considerato già “campione del salto in lungo”: peccato abbia conquistato i primi titoli nel 1983. Il film Innamorarsi, con De Niro e la Streep, è considerato già uscito con quattro anni di anticipo. Si vede che nel cinema certe cose si sanno un sacco di tempo prima; oppure – diciamo così – che stanno nell’aria. Proprio come certi casi letterari. E questo è quanto.

Scritto da:Nicola Giordano

                                                                                                     VOTO 8

Il dolore dell'adolescenza raccontato in maniera netta e precisa.

Ammaniti fa un piccolo capolavoro, fulmineo e affascinante. Si può leggere facilmente in un pomeriggio piovoso di quest’inizio d’inverno. Bellissima nella sua semplicità la storia dei due protagonisti, Lorenzo e la sorellastra Olivia, che nel momento della “malattia”, la dipendenza mortale da droga, appare ossuta e pallida come l’Olivia goffa di Braccio di Ferro. Roma - una cantina puzzolente come le ascelle del quattordicenne è il non luogo di incontro tra i due, che già avevano trascorso alcune vacanze insieme, da piccoli. Lui figlio di secondo letto, lei di primo, stesso padre che Olivia chiamerà più volte “tuo padre” nelle parole a valanga rivolte al pauroso compagno di sventura. Lui trova la salvezza, l’avvicinamento agli altri, agli estranei, al mondo intorno, a tutto ciò che era uno “schifo” come i drogati gettatisi sulle panchine ferrose e smagrite grazie alla volontà irrompente di aiutare lei. Una pulce davvero, come la madre definiva lo stesso piccolo Lorenzo. La settimana bianca di Lorenzo è la bugia detta alla madre per farle uno scherzo e anche per tranquillizzarla facendole credere di avere degli amici veri. Ma la paura che lo blocca quotidianamente “tra le braccia impietrite di un omone seduto” non gli consente di dire la verità e perciò finisce chiuso nella cantina dei suoi genitori. Un biglietto per salutarlo mentre sta dormendo e la promessa fatta di rivedersi, ma soprattutto di non bucarsi più… 12 gennaio 2010, dieci anni dopo, a Cividale del Friuli lui ha ventiquattro anni, lei trentatré. In una stanza di mattonelle bianche, sotto il lenzuolo, il corpo della bellissima giovane senza vita.

                                                                                                      VOTO  6.5

Il pudore di vivere raccontato con sensibilità

La scrittura di Murakami è una scrittura dell'assenza almeno quanto lo è della presenza. Ciò che non viene detto è altrettanto importante di quanto viene raccontato. Sembra quasi ci sia del pudore nel rivelare troppo dei personaggi. E' uno stile che ricorda. non a caso, la tecnica pittorica giapponese dove vuoti e pieni collaborano nel definire le figure, dove il nulla non è del tutto negativo ma è la forza da cui tutto scaturisce.

Questa sorta di minimalismo estetico non va a scapito dell'intensità emotiva e dello spessore dei personaggi. Per dare un esempio di questa sorta di "realismo straniante" è sufficiente osservare come viene affrontato il tema del suicidio.

Laddove i romanzieri tendono generalmente a voler soddisfare ogni curiosità del lettore Murakami ci presenta suicidi di cui ci sfugge ogni motivazione. In questo senso il vuoto, il nulla che lascia la morte è ancora più grande perchè si tratta di una voragine incolmabile con la logica razionale. Chi vive rimane con un senso di sperdimento totale. Proprio come nella realtà, dove il suicidio rimane sempre al di là del motivo, in un limbo inafferrabile.

Ecco che quindi si coglie la dimensione duplice di questo vuoto: se da un lato è una realtà "positiva", la condizione di esistenza di persone e cose come nella pittura giapponese, dall'altro è anche forza negativa, di distruzione; morte che sta all'origine (il suicidio del primo fidanzato di Naoko) e alla fine come cancellazione del ricordo.

In effetti il tono emotivo del romanzo è definito dal tema del ricordo: tutta la storia è un rievocazione di Watanabe, rievocazione di un passato che deve esser trascritto affinché ne rimanga traccia.

Watanabe è terrorizzato dall'idea che con il passare del tempo il ricordo dell'amata Naoko divenga sempre più labile: il tempo è un roditore lento ma implacabile che pian piano rosicchia ogni realtà riportandola al nulla. La memoria è labile e destinata pian piano a svanire.

E’ sorprendente come Norwegian Wood sia nello stesso tempo un romanzo in cui gli avvenimenti sono molto ordinari ma anche attraversati da temi grandi, enormi, classici come la Morte, la Bellezza, il Tempo, la Gioventù. L'universo è un unità in cui grandi eventi e piccoli eventi si riverberano l'un l'altro per cui il simbolismo di Murakami non ha bisogno di voli pindarici, di allontanarsi dal realismo. Quello di Norwegian wood è un realismo in cui la realtà non è mai quella neutra, oggettiva della scienza, è una realtà esteticamente sempre bella perchè capace di rimandare oltre sè stessa, di essere osservata con uno sguardo unitario, capace di coglierne l'intima, sebbene crudele, armonia e corrispondenza.

Un tema ricorrente che tocca la psicologia dei personaggi è quello della normalità. I protagonisti di Norwegian Wood sono tutti preoccupati dall'idea di non essere normali, si chiedono cosa sia la normalità etc. C'è indubbiamente quel tratto tipico dell'adolescenza che consiste nel sentirsi diversi, estranei al mondo e nel volere dunque fuggire in un universo parallelo, in un limbo idilliaco chiaramente esplicitato dalla casa di cura di Naoko, Eden naturalistico sperduto tra le montagne, lontano anni luce dal caos di Tokio, dalla vita reale. Nello stesso tempo però questa fuga è chiaramente insostenibile, mortale. La vita comprende al suo interno dolore e morte e non ci sono alternative: o la si rifiuta sciogliendo questa contraddizione optando per la morte, o la si accetta nel suo intrecciarsi inestricabile di bene e male, vita e morte, essere e nulla.

Watanabe è sospeso, come ogni giovane che si affaccia nel mondo adulto, tra queste due opzioni rappresentate chiaramente dalle due donne del romanzo : la fragile, malata Naoko e la vitale, esuberante, pragmatica Midori.

Alla fine la scelta appare obbligata, talmente obbligata che Watanabe non dovrà nemmeno compierla, aiutato come sarà dal destino, e come in tutti i migliori romanzi di formazione, non sarà più lo stesso ma si troverà catapulato nel mondo adulto.

Scritto da:Mariagrazia Giordano

                                                                                                      VOTO  8